Clifford Brown - I don't stand a ghost of a chance with you

Clifford

Esa difícil costumbre de que este muerto. Como Bird, como Bud, he didn´t stand the ghost of a chance, pero antes de morir dijo su nombre más oscuro, sostuvo largamente el filo de un discurso secreto, húmedo de ese pudor que tiembla en las estelas griegas donde un muchacho pensativo mira hacia la blanca noche de mármol. Allí la música de Clifford ciñe algo que escapa casi siempre en el jazz, que escapa casi siempre en lo que escribimos o pintamos o queremos. De pronto hacia la mitad se siente que esa trompeta que busca con un tanteo infalible la única manera de rebasar el limite, es menos soliloquio que contacto. Descripción de una dicha efímera y difícil, de un arrimo precario: antes y después la normalidad. Cuando quiero saber lo que vive el shamán en lo más alto del árbol de pasaje, cara a cara con la noche fuera del tiempo, escucho una vez más el testamento de Clifford Brown como un aletazo que desgarra lo continuo, que inventa una isla de absoluto desorden. Y después de nuevo la costumbre, donde él y tantos más estamos muertos. Julio Cortazar, La vuelta al día en ochenta mundos, tomo 1, siglo veintiuno editores. Tambien el jazz cuenta con su Jim Morrison, Jimmy Hendrix, Janis Joplin, Kurt Cobain, solo que a diferencia de ellos Clifford Brown no murió de sobredosis o una depresión suicida. Fue en el año de 1956 en un accidente automovilístico donde falleció, su muerte es más parecida a la de James Dean que murió de la misma forma en 1955 a la edad de 24 años, Clifford tenía 25 años. Su influencia a pesar de su corta edad es enorme en los trompetistas de la segunda mitad del siglo XX, como Kenny Dorham, Dizzy Gillespie, Miles Davis, Wynton Marsalis, Terence Blanchard, etc. Su estilo con tono cálido y un maduro sentido de la improvisación fue precursor de la escuela cool a partir de las reminiscencias del bop de Fast Navarro, su aportación es la transición fundamental entre un estilo y otro. Clifford Brown es un trompetista poco conocido pero que sin sus grabaciones no se hubiera gestado la forma de escuchar a los trompetistas de hoy en día, su música es como su apellido Brown, crea una penumbra entre lo luminoso y lo obscuro como su vida misma.

Björk - Crystalline

EL MISTERIO DE BJÖRK

Björk es una artista en perfecta comunión con la naturaleza, ya que como ella es cambiante, vital y profunda. En su octavo proyecto solista lo confirma y su titulo es idóneo… “Biophilia”. Este trabajo es el mas ambicioso que haya emprendido Björk ya que en el concentra todo lo aprendido y asimilado en su carrera, desde el tema de “Solar System (cosmogonía instrumental)” que evoca irremediablemente el tema de “Obertura” del Selma songs (Dancer In The Dark, 2000), o la pieza “Crystalline” que tiene reminicencias del Vespertine (2001) combinadas con Homogenic (1997), el proyecto en su totalidad es una multimedia musical ya que en el equipo que lo conforma hay desde músicos, ingenieros de audio, científicos, programadores y un director cinematográfico, Michel Gondry, con el cual ha hecho varios videos musicales, tiene proyectada una gira de poco mas de dos años visitando una veitena de países con una estadía de dos semanas en promedio para darse el tiempo de dar talleres, aparte de acondicionar su pagina web para volverlo un sitio interactivo con conciertos en línea, tiene contemplado que cada canción de “Biophilia” tenga disponible una aplicación para tabletas electrónicas que estarán disponibles a lo largo del año, en fin un proyecto que va mas allá de solo un álbum mas. En el inter de Volta, su anterior álbum y Biophilia hay varias colaboraciones de Björk con varios artistas como Signur Ros, Olof Arnalds “surrender”, Antony Hagart and the Johnsons “Fletta” o un tema hecho para la unicef con los personajes de Los Mumies, “The comet song”. Björk tiene un espíritu inquieto, innovador y propositivo, algo que se agradece en estos tiempos de saturación y remembranzas musicales, larga vida a la nativa de Islandia.

¿Quién quiere ser eterno?

¿Quién quiere ser eterno?, a photo by Aldar Adame on Flickr.

World Naked Bike Ride México

WNBR México, a photo by Aldar Adame on Flickr.

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10 DIRECTORES DEL NUEVO MILENIO Y UNOS MAS QUE HAY QUE VER 1

La pasada entrega de los Oscar fue muy representativa ya que de los cinco directores nominados 4 tienen carreras con poco mas de 10 años (exceptuando a los hermanos Cohen con su reinterpretacion a la película de John Wayne "Temple de acero"). Darren Arronoysky con la película "El cisne negro" se reafirma como en cineasta de personajes que son llevados a situaciones extremas pero totalmente humanas, que terminan devorados por sus propios demonios sin posibilidad de redención, con películas como "Pi el orden del caos", "Requiem por un sueño", "El arbol de la vida", "Luchador" y la antes mencionada "El cisne negro", es un director que nos ha legado mas de una obra maestra y el cual no hay que perderle la pista. David Fincher es un cineasta mas comercial, mas de suspenso, thriller y acción, pero en sus filmes deja un sello muy particular, un tanto obscuro y con algo de crítica social, baste echar un vistazo a títulos como “Alien 3”, “El juego”, “seven”, “El club de la pelea” siendo esta cinta la mas completa gracias a la novela de Chuck Palahniuk y que resulto premonitoria para los eventos del 11 de Noviembre del 2001 en el World Trade Center, “La habitación del pánico”, “Zodiac”, “ El curioso caso de Benjamin Button”, la ganadora del Globo de oro “Red social” y mas recientemente “The Girl With The Dragon Tatto”; es un constructor de imágenes que se ocupa de tener un contenido real en su obra y en la cual falta la película que lo acabe de consagrar. Danny Boyle indudablemente se consagra con “Trainspotting” en 1996, basado en la novela de Irvine Welsh este filme se convierte en un clásico instantáneo al ser una película generacional que marco los 90´s, le siguen cintas de mediano alcance como “La playa” del 2000, no fue hasta el 2008 que con un filme de bajo presupuesto y filmada en la India que regresa con un montaje vertiginoso creando una fábula poética tipo Cenicienta pero en masculino, llamada “Quisiera ser millonario”, esta cinta lo pone de nuevo en el pedestal otorgándosele el Oscar . En la pasada ceremonia vuelve con una película menos ambiciosa, “127 Horas” en donde aborda un tour de forcé con un minimo de personajes y en una situación limite. De filmografía irregular este director tiene en su haber cintas que llegan a ser referencia. Cristohoper Nolan es un director en toda la extención de la palabra, que se involucra con su trabajo en todos los niveles, con películas como “Insomnia”, “Amnesia”, “Batman orígenes”, “Batman el caballero de la noche” (tal vez la mejor película de superhéroes que se haya filmado), “El gran truco” y su ultima cinta “El origen”. Nolan se coloca como un director constante en calidad, contenido y lenguaje cinematográfico; se sirve del relato Noir para acceder y entender a traves del thriller, los motivos que mueven a sus personajes a lo largo del cresendo y decresendo de sus emociones, siendo esto la verdadera sustancia de su obra. Cine de calidad que llega a ser negocio y no por esto traiciona las convicciones de un director inteligente y sensible. Paul Thomas Anderson es un director que se toma su tiempo, su filmografía es minima pero relevante dentro de la historia cinematográfica, con películas como “Hard 8”, “Boogie Nights”, “Magnolia”, “Embriagado de amor”, “Petroleo sangriento” y “The master” que es del 2011, aborda temas diversos pero con una soltura y confianza que hace de estos filmes poderosos en contenido y muy bien filmados. El individuo trasendiendo a la sociedad y como esta lo vuelve a devorar haciéndolo uno mismo con ella, seria su tesis constante dentro de sus cintas, las cuales conforma como si cada personaje fuera un instrumento musical dentro de una sinfonía que acaba siendo la película. Ojala fuera más constante en el hecho de hacer películas, ya que en cada una de ellas crea un excelente ensayo de la sociedad humana. Spike Jonze ha hecho un par de filmes con Charlie Kaufman como guionista y el resultado ha sido excelente, cintas como “¿Quieres ser John Malkovich?” y “El ladrón de orquídeas” (Adaptation) bastan para consagrar, pero es un director dinámico e inquieto y va en busca de esa película en la cual se realice como un director completo e involucrado dentro de los aspectos primordiales como son guion, producción, dirección, mientras tanto realiza videos para músicos como: Björk, Chemical Brothers, Fatboy Slim, Bestie Boys, Sonic You, REM, Daft Punk, o “Arcade Fire”, su ultimo trabajo cinematográfico es “Where The Wilds Things Are” del 2009. Gus Van Sant es un cineasta inclasificable y original que con una filmografía irregular como el caso de Boyle, Van Sant ha legado sus mejores trabajos dentro del cine independiente como “Drugstore Cowboy”, “ Mi Idaho privado”, “Todo por un sueño”, “Elefante”, “Last Days” o “Paranoid Park”, dentro del sistema de estudios ha realizado “Mente indomable”, “Psycho” que es una calca descarada de “Psicosis” de Alfred Hichtcock y “Milk”. Director inconstante que cuando trabaja en una película personal sus resultados son sobresalientes.

10 DIRECTORES DEL NUEVO MILENIO Y UNOS MAS QUE HAY QUE VER 2

Alexander Payne es el cineasta de la intensidad de una situación común, películas como “La trampa” (Election), “Las confesiones del Sr. Schmidt” y “Entre copas” lo situan como un director inteligente y capaz de construir tramas interesantes e intensas con situaciones en apariencia anodinas y comunes. Si esto hace con sus tres primeras películas, ¿Qué será de las que vendrán?. Gaspar Noé es argentino de nacimiento, pero con una carrera europea que lo sitúa mas alla de las fronteras latinoamericanas . Con una cinta que termina con un día soleado y lleno de esperanza pero que en el horizonte se ven nubes de tormenta y empieza en la noche en una situación brutalmente cruel, es “IRREVERSIBLE” el destino inevitable del ser humano, con una estructura que va del final al principio esta película lo sitúa como un director de llamar la atención, otro filme como “Enter The Void” lo confirma como un creador de la perfección del sinsentido, una película mas es “Destricted” del 2006. No hay duda hay que seguirle la pista. Alejandro Amenábar esta más allá de lo que Pedro Almodovar puede significar dentro del cine español, con un punto de vista mucho mas universal es un verdadero creador ya que se involucra con los actores, hace la música de sus filmes, escribe los guiones junto con su amigo Mateo Gil, produce y dirige, es un verdadero humanista dentro del cine. Peliculas como “Tesis”, “Abre los ojos”, “Los otros”, “Mar Adentro” y “Agora” lo confirman como un artesano preocupado por el significado de su obra. Contenido, substancia y belleza son atribuibles a sus cintas, las cuales van de menos a mas, reafirmando el poder del espíritu humano sobre las circunstancias que lo limitan. Mención aparte amerita un director tan polémico como talentoso y este es el danes Lars Von Trier, que es coautor junto con Dane Thomas Vinterberg del que hasta ahora es el último movimiento cinematográfico, el Dogma 95. Con cintas como “Epidemic”, “Los idiotas”, “Zentropa”, “Rompiendo las olas”, “Bailando en la obscuridad” en la que Björk brinda una actuación impactante, “Dogville”, “Manderlay”, “Anticristo” y su mas reciente obra “Melancholia”, lo ubican como maestro creador de un tipo de cine que para nada pasa desapercibido y son obras que son referencia para futuros cineastas. El alemán Tom Tykwer renovó el lenguaje cinematográfico en 1998 con “Corre Lola Corre”, la cual escribió y dirigió, a continuación presenta una película tipo cuento de hadas para adultos que es “La princesa y el guerrero”, toma un proyecto del fallecido Krzysztof Kieslowski y filma “En el cielo”, asume la responsabilidad de llevar a la pantalla la exitosa novela de Patrick Suskind “El perfume”, dirige un thriller de espionaje llamado “The international”, en suma es un director que no teme a los retos y del cual se pueden esperar buenas cintas por venir. Otro director a seguir seria Tomas Alfredson, con “Déjame entrar” película que se basa en una novela de John Amde Lindqvist, este filme deja entrever un profesionalismo que se agradece. Michel Gondry comenzó haciendo videos para Björk y otros músicos como Radiohead, en donde se aprecia su inventiva cinematográfica que prescinde de los efectos digitales tan en boga hoy en día. Fue hasta que realizo “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos” con un guion de Charlie Kaufman e historia de los dos en 2003, que llamo la atención, cintas como “La ciencia del sueño” u “Originalmente pirata” no tuvieron tanto impacto como “Eterno resplandor”, pero su siguiente proyecto involucra el regreso de Björk al cine después de mas de 10 años, habrá que esperar para ver el resultado de este conjunto de talentos. Otros cineastas de llamar la atención son: Steve McQueen que con su película debut “Hambre” no solo cuenta una historia sino que llega a cambiar nuestra percepción de lo que es el mundo, su siguiente filme “Shame”. Lynne Ramsay directora inglesa que filma dos cintas de referencia, “Ratcacher” y “Morvern Callar”. Lukas Moodysson renueva el cine sueco con filmes como “Together” y “Lilya 4-Ever”. El cine malasio cuenta con Tsai Ming Liang y películas como “Vive L´Amor” y “The Hole”. “Si supieras filmar las montañas, filmar el verde y el agua, sabrías filmar a los hombres” esto lo logra Apichatpong Weerasethakul con “La leyenda del tío Boonmee” de Tailandia. Carlos Reygadas que con tres cintas que ha escrito y dirigido ha llamado la atención internacional con trabajos como “Japon” del 2002, “Batalla en el cielo” del 2005 y “Luz silenciosa” del 2008, filmes sin concesión y que valen por su imagen poética mas de lo que los diálogos pudieran decir. Cineasta muy emparentado con el genio ruso Andrei Tarkovsky. La cinematografía actual cuenta con directores talentosos de mediana edad que siguen activos en mayor o menor medida y siguen nutriendo con sus propuestas al cine del nuevo milenio. Habra que esperar que nos depara la siguiente década.

Onírica

Como mariposa hiciste sonar una nota, revoloteas en mis sueños vestida de oscuro, y en lo oscuro desapareces… ¿Eras producto de mi alucine? En mis brazos dabas sabor a mi soledad… ¿Cómo hago para que la tristeza no me coma vivo? Ya el calor escasea, en tus ojos la lejanía se niega a entregarme tu alma juguetona… Alma que parece seguir dolida, alma que parece irreal, ¿Es que el silencio tuyo siempre me ha de saber a soledad? Ya en el fondo de la misma, tu sombra yace en mi mente… hoy te siento intocable, infinita mariposa aleteando muda en mi recuerdo… ya tras la espesura, tu rostro se vuelve quieto, invisible… ¿Fin del sueño?

Feria de las Culturas

Los rostros, a photo by Aldar Adame on Flickr.

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Whale Rider soundtrack

WHALE RIDER "La leyenda de las Ballenas"

"CADA HEBRA DE UNA CUERDA NOS UNE A NUESTROS ANTEPASADOS"{} Nueva Zelanda es un país con casi 4 millones de habitantes y una superficie de 270,000 Km2, dividida en dos islas ubicadas entre los Oceanos Pacifico e Indico, cerca del Mar de Coral donde se ubica la gran barrera de arrecifes de Australia. Son territorios lejanos, en donde los primeros pobladores en llegar fueron los Polinesios hace mas de 1,000 años y así mismos se hicieron llamar Maoríes (que significa normales), los Europeos llegaron en gran número alrededor de 1830 al archipiélago.{} ¿Porque hablar de Nueva Zelandia en "La leyenda de las Ballenas"? Porque es entender su contexto, su origen, su mensaje.{} Pai es una niña de 12 años que vive en una aldea Maorí, ella fue la que sobrevivió al nacimiento de su hermano gemelo fallecido en el alumbramiento junto con su madre. El hermano gemelo era el esperado, el deseado, el heredero al título de líder de la tribu; el haber sobrevivida a Pai para ser despreciada por su abuelo Paika, al cual ama y respeta profundamente.{} Paika es uno de los líderes Maoríes encargados de la continuidad de las tradiciones e identidad de la tribu, pero estas se van perdiendo entre los pobladores por la falta de un líder espiritual y moral que de fuerza al lazo con los antepasados. Las Ballenas guardan un vinculo con su pasado ya que ellas fueron las que los guiaron a lo que ahora es su hogar.{} En una escena en donde el abuelo tratando de hacer funcionar un motor para lancha y Pai se acerca para preguntar el porque del desinterés de los demás a respetar las tradiciones, el abuelo le muestra una cuerda y le pregunta que ve, Pai le dice que varias hebras entrelazadas, Paika le dice "cada hebra de una cuerda nos une a nuestros antepasados" acto seguido el abuelo intenta hacer funcionar el motor con la cuerda, pero esta se rompe, el la maldice y va por otra cuerda. Pai toma la cuerda rota, le hace un amarre la vuelve a poner al motor y la acciona, haciendo que este arranque, Pai alegre llama al abuelo para que vea su logro, el al llegar la regaña por lo peligroso de accionar el motor siendo una niña, ella se va triste, dejando al abuelo con una mirada entre molesta y preocupada.{} Esta parte dice mucho de la película y de lo importante que es mantener una tradición cultural ante los vicios de la modernidad para no perder la identidad de nuestro origen.{} Escrita y dirigida por Nikki Caro{} Basada en la novela "The Whale Rider" de Witi Ihmaera{} Musica de Lisa Gerrard{} Con: Keisha Castle Huges, Rawiri Paratene, Vicky Haugton, Cliff Curtis

De malpensados e irreverentes...

Cuando en 1952, el escritor griego Nikos Kasantsakis publicó La última tentación de Cristo, la reacción de jerarcas tanto católicos como ortodoxos fue la de ofenderse a un grado tal que el Vaticano incluyó la novela en el Índex Librorum prohibitum (Índice de libros prohibidos por el Vaticano), en tanto, los ortodoxos lo excomulgaron aún cuando el autor aseguraba que escribirla sólo fue un acto de fé religiosa; tan no lo perdonaron que a su muerte en 1956 sólo se permitió que su cuerpo fuera enterrado a un lado de las murallas de su natal isla de Creta. En 1988 se estrenó la adaptación cinematográfica de Martin Scorsese: La última tentación de Cristo; el mundo cristiano en general volvió a sufrir un arrebato de cólera tal, que si bien, Scorsese no fue excomulgado, La Academia Hollywoodense le quedó a deber los Óscares; igual acto de miseria padeció Kasantsakis cuando no recibió el premio Nobel de literatura del '56. En 2007, Discovery Channel difundió un documental que una vez más sacudió los cimientos del cristianismo: La tumba perdida de Jesús (The lost Tomb of Jesus), el diario mexicano La Prensa, conocido por ser ultrareaccionario, publicó un titular del hecho así: ¡HEREJÍA! Dicho documental presentó pruebas de ADN donde se comprobó que Jesús no sólo tuvo a Magdalena como pareja, además tuvo descendencia. National Geographic fue más allá cuando presentó El Evangelio Prohibido de Judas. Tras la muerte de Vojtyla, seguida de fuertes escándalos de curas pederastas en varios países, la credibilidad del crisitanismo está a la baja. Me convenzo de que el cristianismo lleva el mismo destino que otras religiones previamente ejercidas en Egipto o Babilonia: cuando una verdad absoluta se vuelve obsoleta, pasa a ser pieza de museo. O como dijo el filósofo alemán Bertold Bretch acertadamente: "El cristianismo es una gran idea, es una lástima que jamás se haya llevado a cabo".

PJ Harvey, John Parish - Black Hearted Love

Ya van 20 años y diez discos que Polly Jean Harvey ha recorrido, y su música sigue sonando actual, vital, cruda y autentica.{} Esta cantautora inglesa tiene una fórmula simple y efectiva, nunca sonar igual que el disco anterior y aplicar siempre lo aprendido, esta es una razón por la cual ha tenido un éxito moderado, pero esto no es algo que le preocupe demasiado a la Harvey. Ella inicio con el bajista Steve Vaughan y el baterista Rob Ellis, juntos conformaron el grupo de Harvey que grabó los dos primeros discos; Dry (1992), Rid of Me (1993){} Ya en el tercero como solista graba "To Bring You My Love" de 1995, que desarrolla un sonido blusero junto con el bajista Mick Harvey y los gutarristas Joe Gore y John Parish, que por cierto con este último ha conformado una relación profesional muy fructífera que diera su primera muestra con "Dance Hall At Louse Point" del 96, este mismo año graba un dueto con su contraparte masculina Nick Cave, "Henry Lee" es el tema del disco "Murder Balads" del Sr. Cave.{} Durante 1998 Harvey saca el álbum "Is the Desire?" con el cual experimenta con la música electrónica y este es su disco favorito, ya que le sirvió para mantener a distancia sentimientos personales. El 2000 ve venir "Stories from the city, Stories from the sea" en el cual regresa Rob Ellis y junto con Mick Harvey estructuran con P. J. un sonido mas limpio pero poderoso en cuanto a música y letra, en este álbum colabora Thom Yorke en tres tracks, destacando en "This Mess We´re In".{} En 2004 lanza "UH HUH HER" que le significa un regreso a su sonido rock pero menos crudo, por cierto un grupo conformado por Camila Grey y Leisha Hailey toma su nombre de este disco. Un rumbo distinto tomo "White Chalk" que vio la luz el 2006 y esta conformado por baladas obscuras a piano en donde la letra y su significado es el principal ingrediente. Para el 2009 continua su colaboración con John Parish en el disco "A Woman a Man Walked By", con el cual explora en el rock experimental, el folk y un aire de Grunge.{} Harvey se nutre de la poesía siendo sus poetas mas admirados Ted Hughes, Raymond Carver y Billy Childsh. Para sus 20 años de carrera saca el álbum "Let England Shake" que le encuentra con un sonido folk ingles, el cual sirve como medio para hallarse con su gente, su patria, su tierra, pero con esa busqueda constante con instrumentos atipicos dentro del rock.{} Polly Jean Harvey que nació un 9 de Octubre de 1969 y con casi 42 años, lleva a cabo la voz, la música, la composición de una propuesta que no pasa desapercibida.

Haruki Murakami

"No se deje engañar por las apariencias. Realidad no hay más que una"{} En 1987 con la publicación de "Norwegian Wood" (Tokio Blues), occidente conoció a Haruki Murakami, un escritor japones al cual solo le importa que lean sus libros y en la trama de sus escritos hay humor y surrealismo, realidad y onírismo se conjugan para hacer un equilibrio entre sus personajes.{} Murakami es muy reservado para su vida personal, tanto que una vez declaro: "Tengo pánico a convertirme en una celebridad y tomo todas las medidas posibles para hacer que eso no ocurra".{} Sobre el hecho de escribir dijo en una de las pocas entrevistas que da, al diario "El País": "Eso de escribir una novela. Acudir en busca de lo obscuro, de lo que no sabes de ti. Si lo intentas, puede salir bien. Si eres capaz de traspasar esas fronteras, puedes convertirte en alguien que interesa de manera global y encontrar almas comunes en Asia, en África. Si tienes valentía de traspasar el muro, la frontera ante el que te sientes solo y desarmado. Atraviesas el muro y puedes convertirte en otro. Puedes ser más libre además".{} A traducido al japones a escritores como: F. Scott Fitzgerald, Raymond Carver, John Irving, Truman Capote, J. D. Salinger, Raymund Chandler, Theroux, etc, y homenajeado indirectamente a otros como Franz Kafka en "Kafka en la orilla" y a George Orwell en "1Q84", su más reciente novela.{} Murakami escribe de la soledad, el dolor, la frustración, el amor y el desamor, la memoria metafísica, y los encuentros y desencuentros paralelos, esto lo hace para divertirse y lo que le importa es ser auténtico; escribir una novela realista le aburre y no tiene intención de hacer algo igual, ni interés en el pasado, la escritura le ayuda a conocerse mejor, profundizar en el pozo de su ser. En su novela "1Q84"(Tusquets editores, 2011), Aomame se encuentra en medio de un tráfico anormal, mientras sus pensamientos divagan mientras escucha la "Sinfonietta" de Leos Janácek, en un taxi privado y vamos siendo testigos del desenfado y la inteligencia de Aomame. Con Tengo, su segundo personaje, tenemos su recuerdo de cuando tenía año y medio, y esto desemboca en una memoria metafísica que describe lo profundo y sensible que es Tengo.{} "1Q84" esta estructurada en tres partes, y no podía ser de otra forma para poder describir el caos y el destino común que tienen estos dos personajes. Murakami es un melómano de corazón, con una colección de más de 7,000 viniles que son su orgullo, es un defensor de la cultura Pop en todas sus variantes, escribe para asumir el control de su obra, ya que no esta hecho para trabajar en equipo y que a sus 62 años todavía tiene proyectos para llevar a cabo y ojala así sea.{} Libros de Haruki Murakami {} "Hear the Wind Sing" 1978 {} "Pinball 1973" 1980 {} "La caza del carnero salvaje" 1982{} Que conforman la trilogía de la rata {} "El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas" 1985 {} "Norwegian Wood" (Tokio Blues) 1987 {} "Dance dance dance" 1988{} "Al sur de la frontera, al oeste del sol" 1992{} "Crónica del pájaro que da cuerda al mundo" 1995{} "Sputnik, mi amor" 1999{} "Kafka en la orilla" 2002{} "After Dark" 2004 {} "1Q84" 2009

Janacek : Sinfonietta (mvt. 1 et 2)

O Anticristo de Lars Von Trier (Prólogo)

ANTICRISTO

"La naturaleza es la iglesia de Satán" Se apagan las luces y después de una breve presentación, suena el ária "Lascia ch'io pianga" del Rinaldo de Händel (deja que llore/mi cruel suerte/y que suspire/por la libertad./El dolor infringe/este sesgo/de mi martirio/soló por piedad)(1), transcurren las escenas muy lentamente de un niño que sale de su cuna mientras sus padres copulan furiosamente, la tensión va creciendo y el desconsuelo se ve venir. Este es el prólogo y es contundente, hermosamente filmada no mitiga la tragedia desatada en los capitulos siguientes;(I)Desconsuelo, que va de la ansiedad al miedo, (II)Dolor (el caos reina), que aborda el contagio del miedo, (III)Desesperación (genocidio), la locura antes del exterminio, (IV)Los tres gnomos, dolor, desesperación, desconsuelo, y el epílogo en el cual hay un largo peregrinar de mujeres con el rostro difuminado mientras se escucha el ária que abre la cinta. Película que se sirve del thriller psicológico con elementos de cine de terror, para sumergirnos en la vorágine del universo femenino, entendido este comó la naturaleza del origen de la vida. El dolor cede a la culpa, de la cual nace el rencor que crece en odío, esto dentro de la relación de pareja de los personajes en la historia del "autoproclamado mejor director del mundo". Parábola extraña y fascinante que en una primera lectura sería la cinta mas misógina filmada últimamente, pero es más de lo que aparenta entre escenas de sexo explícito, mutilación y automutilación, es una profunda reflexión de las parejas humanas que poco a poco se van distanciando. Polémica hasta la médula, esta cinta no pasa indiferente, ya sea por su hermosa fotografía (sus imágenes tomadas por una cámara V4 PHANTOM que da mil fotogramas por segundo), su visión tan particular de la condición humana, la historia en la cual se da a entender la justificación de la quema de brujas en los siglos XVI y XVII, la tortura e indiferencia hacia la niñez; misóginia, deseo sexual, sádismo como elementos de profundo arraigo en la naturaleza humana, la magnífica actuación de Charlotte Gainsbourg, en fin, una película controversial de un director que sabe perfectaménte su trabajo y lo que quiere decir, una maestro cinematográfico. (1)Larissa Ferrer ANTICRISTO (2009) Director-guionista: Lars Von Trier, fotografía color/blanco y negro: Anthony Dod Mantle, Protagonistas: Charlotte Gainsbourg, William Dafoe.

Plenilunio y Perigeo

Plenilunio y Perigeo, originalmente cargada por Aldar Adame.

Onírico

¿Y si en tus brazos hay un sueño que te vuelve inalcanzable? si en el brillo de la luna, tu sombra es onírico recuerdo, borroso como mi mente llena de alcohol... La agonía de la lejanía se asemeja al fondo de la botella, los minutos cuelgan de un tendedero, se escapan por la ventana abierta, las voces en la calle rompen a ratos el sueño... La oscuridad, siempre fiel guardando secretos, es siempre fiel revelando tu silueta distorsionada ya en el fondo de la botella rota al final... el dolor es igual de intenso que el calor de las caricias, el olvido suele tardar mucho, el alcohol retarda la espera, fiel melancolía apartada del calor, fiel soledad rondando la orilla del colapso, fiel la cruda hasta la próxima borrachera, fiel la botella rota en el viaje onírico...

THE KING OF LIMBS

"The king of limbs" de Radiohead, que sin tomar en cuenta los discos alternos que complementan los álbumes conocidos, sería su octavo larga duracion. Trabajo contundente como lo ha sido desde "The bends", se sirve de atmósferas a base de percusiones electrónicas y la cadencia de baladas fantasmagóricas. El disco puede dividise en dos partes, en que la primera que va de "Bloom" a "Feral" se aventuran a sonidos que no se les habían escuchado antes, explorando por un pop rock electrónico, que a primera oida uno no lo acepta del todo. En la segunda parte que va de "Lotus Flower" a "Separator" matizan el sonido a un nivel mas terso, sin dejar el ritmo cadencioso y repetitivo; es un trabajo que va de lo agresivo a la suave caricia, un trabajo maduro que da continuidad al legado RADIOHEAD.

LA TRIPLE AAA DE AMERICA

La triple AAA de America esta conformada por tres grupos que surgieron durante la primera decada del 2000, y que sin un afan de reconocimiento y sì mucha inovacion se han conformado como tres propuestas de tomar en cuenta dentro de la música del nuevo milenio. El primer grupo esta conformado por Greg Edwards (del grupo Fàilure) en el bajo y guitarra, Carla Azar (de Ednasawp) en la batería y Eugene Goreshter como vocalista, ellos forman el trio californiano "AUTOLUX" que con apenas dos discos, "Future perfect"(2004) y "Transit transit" (2010), es una de las bandas de indie rock que revitalizan la escena norteamericana, al grado de que músicos como Trent Reznor y Thom Yorke la ubican como un de las mejores del año pasado. Unkle por su parte a tenido una mezcla con una cancion de esta banda (Turnstile Blues) que viene en su Unkle surrender sounds session 4 y una colaboracion con ellos (Joy Factory) en su ultimo disco "War stories". AUTOLUX es una banda que aun no ha dado lo mejor y aun así ha construido un sonido propio, con una guitarra agresiva contrastando con un bajo suave y elegante, con una batería que va entre lo cadencioso y el golpe furioso de una estampida, en fin una banda que se encamina hacia alturas insospechadas. Un grupo que con 8 álbumes de estudio, ubica su octavo trabajo (Merriweather Post Pavilion) como uno de los mejores de la década que termino (eso tomando la apreciacion de que es un álbum que refleja la coyuntura cultural que le gesto), es "ANIMAL COLLECTIVE", una agrupación de músicos experimentales de Maryland, E.U. que está conformada por David Portner (Avery Tare), Noah Lennox (Panda Bear), Josh Dibb (Deakin) y Brian Weitz (Geologist). Estos son musicos que no le temen a la experimentación con diferentes ideas y corrientes, que dan continuidad al Pop monumental propuesto por los Beatles; prescindiendo de guitarra y batería en su sonido y apoyandose con sintetizadores, cajas de ritmo y teclados dan una textura electrónica a los cantos es coro que a veces parecen tribales. Agrupación ambiciosa que con el soberbio Merriweather Post Pavillon (2009), van ganando un lugar privilegiado en la música electrónica, ellos son ANIMAL COLLECTIVE. Con tres álbumes ARCADE FIRE se ubica como el perfecto ejemplo del éxito de un grupo a través del Internet, ya que alcanzo una puntuación de 9.7 por parte de Pitchfork Media (publicación en Internet de crítica musical), sin una discografía fuerte que los apoyara en 2004 con "Funeral", su primer álbum. David Bowie grabó con la banda el tema "Wake Up" en el 2005 y en la gira del Vértigo Tour la misma canción sirvió a U2 para abrir sus conciertos, aparte de que ARCADE FIRE fue telonero en tres conciertos de la gira; Robert Plant los ha mencionado en algunas entrevistas como referencia musical y David Byrne los reconoce y admira. Es una agrupación que se encontró de pronto en las ligas mayores. La banda canadiense tiene el sonido de violines, mandolinas, acordeón, guitarra eléctrica, batería órgano, piano y eso les da un aire de nostalgia y esperanza dotándolos de un estilo melancólico y desenfadado que ha cautivado a una creciente legión de fans. Con "Neon Bible" (2006) se sitúan como una de las mas grandes propuestas del rock actual, este disco fue grabado en el interior de una iglesia de Montreal, lo cual le da un sonido más acústico y espectral que dota a algunos temas un aire de poderío y grandeza, como es el caso de "Intervention" o "My body is a cage" (del cual Peter Gabriel hizo un cover en "Scratch my back"). Su primer tropiezo es "The Suburbs" (2010), un álbum repetitivo pero que aún así no deja de ser un buen disco de compañía. Win Butler y Régine Chassagne (matrimonio fundador) junto con Richard Reed Parry, William Butler, Tim Kingsbuy, Sarah Neufeld, Jeremy Gara, Pietro Amato y Marika Anthony-Shaw son una banda joven, sencilla y que pondera la amistad en su relación, motivo que hace suponer que aun faltan buenos discos por venir y ojala así sea.

Gary Moore

, originalmente cargada por Aldar Adame.

4 de Abril 1952- 6 de Febrero 2011.

After the war. Empty rooms. Led clones. Over the hills and far away. Still got the blues. Parisienne walkways.

No tocar el infinito...

NO TOCAR EL INFINITO Cuando ante mí se abrió tu sur, no lo encontré misterioso, pero la humedad seguía siendo mágica, tocar ese mar tan inmenso con mis dedos fue un acto casi profano... No tocar el infinito. Si es que fue un sueño fue profundo pero breve... No supe cuándo empezó, me gustaba remar en ese mar redescubierto, describirlo con mi lengua explorarlo con la mente, bucearlo hasta el éxtasis hasta naufragar en tu fondo... Fin del viaje, insignificancia, brevedad de la humedad abundante, claridad en la frondosa oscuridad de un infinito ya lejano y nunca más tocado por mi mente...